Photographer: Jun Furuta 写真家:古田 純
Fine-Art photography. Still-life. Environmental portraiture. I excel in made to order photographic commission assignments. Given an assignment, clients agree that I work best when I am left alone to build up the assigned image.
Artist Statement:
Jun Furuta
Copyright 1989 ©
I am interested in the purest intentions of creating art. I feel an artist’s work should be an open doorway. Tantalizing and engaging. I am interested in creating something that says everything but benign enough to say nothing. Conclusive but open ended. I am interested in making something that hums right along. I would like it to be a white noise rather than just noise.
I would like my work to be honest in that it doesn’t pretend to answer any questions, but rather ask them. I would very much like my work to be a mirror for contemplation, a mirror with a memory. I sense the energy of transformation of an object. I am susceptible to the clandestine beauty of nature and the nature of things.
I am open to the concept of photographing by numbers. But always with a new set of numbers.
I am not interested in a dialog of hierarchy or interactions between photography and painting. It is clear to me that it was my choice to grapple with a medium which is just as smelly and slimy as paint、
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古田 純
マニュフェスト
Copyright 1989 ©
私は、純粋な創作行為に惹かれます。作品が「開かれた扉」のようなものであることを願うのです。見る者の興味をそそり、魅了するもが作品の成立条件と考えます。また、自分にとって作品とは、すべての可能性を秘める完結なものであると同時に、押しつけがましいものであってはいけないと思います。作品自体の主張はさて置き、見る側に解釈と主張を委ねる作品作りを心がけたいと考えます。作品が独り歩きしても、その主張は、見る側にとって雑音ではなく心地良い癒しの音楽であることを望みます。
私にとって完璧な答えを提示する作品よりも、見る者に問いかける作品こそ理想的な作品の姿と信じてます。自分の作品が見る側の想像力、思想、哲学を呼び起こす鏡のような作品が目指す作品の理想です。同時に、作品が記憶を持つ鏡であることを理想とします。ものや事象が様々な形に変化したり展開していくエネルギーに反応する自分であったり、人目に触れることのない自然の美しさや根源的原理が作品作りの動機付けと言えます。
点と点を順番に結び、絵を描くようなプロセスを重視する写真術に大変興味を持っています。しかし、いつも違うプロセスで作品創りを心掛けたいと考えます。
作品を通して絵画と写真の優劣を語るつもりはありません。私にとって、写真術に用いる薬品は、油彩と同じように異臭を放ち、ぬめぬめしているのです。絵画表現も写真表現も同一線上にあると考えております。
Solo-Exhibition:
Illusions of Representation.
Past Rays Gallery, Yokohama. Kodak Photo Salon, Ginza. 1991
Statement of Intent.
Copyright 1989 ©
These studies are “Silver Gelatin Monotypes”. They are one-of-a-kind photographs, made from a medium exclusive to photography.
The distressed, painterly qualities are intended to reveal the potential which is inherent in the raw medium. If you will, they can be read as a demonstration of what the simplest of the photographic medium can convey, without having to resort to experimental or non-silver processes. It is my intention that the applied or distressed manipulation makes it impossible for the viewer to disregard the hand of the artist in the photographs. A controversial issue in 19th century photography.
By documenting these floral studies. I am following in the foot-steps of the 19th century photographers and their photographic factuality. Not always the truth, but the stark realism of the camera vision.
The allegorical statement is in the dialog between the depicted image and the manifested. Is it beauty we see in the decay of nature? Or is it the decay of the photograph which seems to heighten our senses for ephemeral glimpses nature? I will leave that up to the viewer.
The work you see before you are not some commentaries of some marginal boundries between photography and painting. But rather, my sense of beauty which fringes on a triumvirate of balance between illusions, representation and equivalence. They are photographs about photography. Personally speaking they are my souvenir photographs commemorating the 150th anniversary of photography.
古田 純
趣旨説明
Copyright 1989 ©
この一連の作品は、“シルバー・ゼラチン・モノプリント”と呼ばれる一意的写真群です。しかも、誰もが使用する純粋な写真メジュームだけを使った作品なのです。
絵画の絵筆を使い表面に風化したような劣化の痕跡を再現することで、純粋な写真材料だけで、これだけの表現が可能だと言う事をお伝えしたかったのです。そして実験的、ノンシルバー・プロセスに依存することなく、感材と薬品と言う最も根源的メジュームだけでこれだけのものが可能であると言う事を証明したかったのです。また、意図的に残された絵画的筆跡、何回も塗りなおされた劣化の表面を表現することにより、作家の存在を強調したかったのです。19世紀や20世紀に及んでも芸術作家の存在が垣間見える写真はタブー視されてきました。
作家ではなく、技術者が写真術を巧みに操るように、植物の記録を撮影し、必ずしも真実ではありませんが、19世紀の写真師が目指したカメラの驚異的描写力を通して見える現実を撮影しました。
一連の作品を通して物語性アレゴリーが存在するとすれば。それは、写実的に撮影された表面と、薬品の操作で筆跡や劣化した表面との対話にあります。それを目の当たりにして感じることは、「朽ちて行く自然が美しいのか」また、「朽ちて行く写真を通して気付かさせられる自然のはかなさ」のどちらかでしょう。ご覧の皆様にお任せしたいと思います。
皆様にご覧いただいている作品群は、絵画と写真の境界線を模索する作品ではありません。単純に写真術と写真史について語る写真なのです。自ら心地良いと思う、幻影、表象、等価の三つのバランスが織りなす美の感覚を表現し、個人的には写真
17 Reasons Why.
The Earth Gallery, Tokyo.
February, 1994. ©
Statement of Intent .
It is a well known consensus that photography may only be able to depict a narrow and subjective truth and never the whole truth or unbiased truth. But so long as reality exists that it is increasingly difficult to capture untouched nature, i.e., forests, plains and mountain peaks untouched by man. It could be said that today’s photographers have their jobs cut out for them. Because the issue raised by this reality literally extends to the horizons, and implies enormous amount of subjects to be photographed.
I often refer to the metaphor of how, “photography should be like a rail-road train running on two tracks. (i.e., one track being documentary and the other track being, fine-art photography) When asked about my own theories of photography. Because the train running on these two-tracks is the only thing moving forward. “17 Reasons Why.”, is a view from the windows of the rail-road train.
古田 純
趣旨説明
February, 1994. ©
写真と言う表現媒体では完全な状態の真実を撮ることは不可能だとよく言われますが、今を生きる写真家として、人間が未だかって踏み入ったことの無いような無垢の自然、手つかずの原野、山脈の峰々、そのような完全な自然を撮ることが困難であるという現実があるからこそ、写真家として撮らなくてはならない被写体が見渡すかぎり有るのです。よく私が自分の写真論を説明する時に「私にとって、写真は、二本の線路の上を走る列車のようなもの」という説明をします。一本のレールは記録写真、ドキュメンタリー写真が有り、もう片方に心象風景、絵画的作家主導の写真が有ると説明して来ました。二本のレールの両輪があって”17 Reasons Why”は、その列車の車窓から眺めた風景なのです。
Kitch Cliche
Polaroid Gallery, Tokyo.
February, 2002. ©
Statement of Intent
Jun Furuta. 2002.
Polaroid Transfers:
I make Polaroid transfers as if I am writing a diary. It also acts as a sketchbook of ideas for me. The images often reflect my on-going photo shoots or, “How I would like to tackle my next shoot or sometimes with grief and regrets as to how I should have done it.” If you would view these Polaroid transfers as if you were looking into my diary, perhaps they would reveal how I am looking at the world’s events. The series of Polaroid transfers were intended to reflect not so much the proliferation of kitch objects in a world which is striving to find some sense of direction. But rather to show a definite shift occuring from the world within, from within one’s self – a new paradigm. I’ve coined Ms. Susan Songtag’s quote – “A photograph ultimatey becomes a cliche.” – to defy the very notion and to show how it may suggest or explain how things will be in the future. Although whether it is progress or regression, I am not sure.
It has been about 20 years since I’ve seen a demonstration of Polaroid transfers in San Francisco where I had gone to school. It was love at first sight indeed! I was intrigued by its simplistic beauty and how it gave rise to certain Dejavu sensation, which is inherent in photography as a basic charactoristic of the medium. The medium gives rise to things sentimental and romantic and does not pretend to be something else. It sort of makes you feel as if you have become an “Ukiyoe” printmaker. But hopefully, the imagery in this series will go on to explain a certain shift in our world however pesonal they might seem.
Last but not least, I would like to thank Mr. and Mrs. Tsukahara. Owner of PGI and Mr. Enbutsu, staff of Polaroid Japan for their warm support in realizing this show. And all those people who came to see the show, thank you so very much.
古田 純
趣旨説明
ポラロイド転写
私は日誌のようにポラロイド転写を作っています。そのイメージを仕事に反映させたり、「このような仕事をしてみたい」と思うときは先ずポラロイド転写でその気持ちをぶつけてみたりしています。イメージを日誌のように見て頂くと、私が世の中をどのように観ているのかが見えてくると思います。この一連の作品の題名「Kitch Cliche」は「キッチュなものへの既視感」と言うコンセプトです。これは混沌とした世情によくありがちな折衷的な物質の再来、横行と捉えられがちですが。私の中ではそれを逆手にとって、現実と微妙にズレを見せてきている内的な世界の存在や、新しいものの兆しと言う意味で捉えています。Ms.Susan Songtag氏の言う「写真はすべてクリシェ(きまり文句・常套句)になると言う言葉が覆せる、内なる進化に挑戦するために、あえて、「写真はクリシェである」という言葉を引用しました。
ポラロイド転写に出会って20年余りになります。出会った当初から、私はその何とも言えない美しさに魅了されてきました。思わず手に取ってみたくなる単純明解な美しさであると同時に、元来写真が持ち合わせる既視感を漂わせる素直な美しさです。センチメンタルでロマンを伝えてくれる、私的な表現を可能にしてくれる素材とプロセスだと思います。時として、版画の絵師になった気分にも浸れたりします。Ms.Susan Songtag氏の言う「写真は撮った瞬間からセンチメンタルでメランコリックなものになる。」と言うくだりを素直に表現すると同時にイメージはMs.Susan Songtag氏の言葉に決して負けないものを作らせてくれる可能性を予見させてくれるポラロイド転写。これがポラロイド転写の虜にさせられた最大の理由です。
Photo
Group show:
Bio:
2021. Just celebrated 65th birthday! Trying to figure out what New Normal means.
Going on 27 years of marriage. And 45 years of photography.
2019. Resigned 17 years of employment at portrait studio, due to COVID.
2002. Begin employed at a prominent portrait studio. To learn transfer of photographic
technology from analog to digital. Putting personal studio on hold.
2002. Solo Exhibition “Kitch Cliche”. Polaroid Gallery Tokyo.
1994. Established Jun Furuta Studio.
1993. Included in Hara Annual group show.
1992. Solo Exhibition. “17 Reasons Why”
1992. Juried Exhibition. “Illusion of Representation” Kodak Photo Salon, Tokyo.
1992. Solo Exhibition. “Illusion of Representation” Past Rays gallery, Yokohama.
1991. Graduated Academy of Art (San Francisco, USA.) MFA degree. Photography
major. Returned to Japan.
1984. Returns to Japan from New York City. Work as free-lance photographer.
1981. Graduated (/distinction) Academy of Art (San Francisco, USA.) BFA degree.
Photography major. Moved to New York City with my best friend, lands an assistant job
at Carl Fischer studios.
1980. Receives “Practical Training Scholarship”
1978. Establishes “Contact-36 Studio” with 3 other members.
Periodicals:
Commercial Portfolio:
For more images by Jun Furuta, please refer to:
https://www.instagram.com/lucidaengine